Misericordia para Salomé: Les Arts estrena la versión más humana y psicológica de la obra de Strauss

El Palau de les Arts se prepara para vivir uno de los hitos de su vigésimo aniversario con el regreso de Richard Strauss a su Sala Principal. Jesús Iglesias Noriega, director artístico de la institución, ha presentado hoy el estreno de Salome, que tendrá lugar el próximo 25 de abril. Acompañado por el director musical, James Gaffigan, y Tamara Heimbrock, asistente del director de escena Damiano Michieletto, Iglesias ha calificado la obra como un "título fundamental del repertorio lírico" y una pieza "revolucionaria" que cambió el curso de la escena europea.

Esta producción del Teatro alla Scala de Milán, supone el regreso de James Gaffigan al foso de Les Arts, donde fue durante cuatro años el director titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y donde lideró éxitos como Tristan und Isolde. En esta ocasión, se enfrenta a una partitura que él mismo describe como un "lenguaje musical completamente nuevo", capaz de sonar tan familiar como una melodía de Broadway pero sostenida por el "acompañamiento más raro que compuso nunca" Strauss.

Una Salomé humana: de victimaria a víctima

La gran apuesta de esta versión, que cuenta con la soprano lituana Vida Miknevičiūtė en el papel protagonista, reside en su reinterpretación del mito. Frente a la visión de Salomé como un ser puramente violento o maligno, la asistente de escena Tamara Heimbrock ha subrayado que la producción se adentra en el "espacio psicológico" de la joven. La historia se centra en el drama familiar y en las heridas sufridas por Salomé durante su infancia y adolescencia en un entorno abusivo y claustrofóbico.

"Esta producción le otorga misericordia a Salomé", ha explicado Heimbrock durante la rueda de prensa. A diferencia del libreto original, donde la última orden de Herodes es "¡Matad a esa mujer!", aquí la última imagen visual pertenece a ella, reconociéndola como un ser humano que ha perdido el control tras ser rodeada de "gente terrible". La célebre Danza de los siete velos no se presenta como un acto de seducción convencional, sino como un momento de cambio en la relación de poder donde Salomé convierte el abuso sufrido en un arma de reivindicación.

Heimbrock ha destacado que, aunque la obra trata temas extraordinariamente violentos, Michieletto ha optado por retratarlos de forma abstracta, casi como una "ensoñación", permitiendo que sea la imaginación del público la que expanda el horror que ocurre tras las puertas cerradas del escenario.

El desafío musical: potencia y delicadeza de cámara

Para James Gaffigan, el mayor reto de dirigir Salome en Les Arts es equilibrar la exuberancia de la OCV con la acústica privilegiada de la sala. El director ha señalado que su objetivo es "controlar las dinámicas para que siga sonando como música de cámara", manteniendo el entusiasmo pero evitando que el volumen abrume la escena. Gaffigan ha elogiado la evolución de la orquesta, destacando que este repertorio les resulta especialmente afín.

La elección de Vida Miknevičiūtė no es casual. Gaffigan la ha definido como una "músico brillante" y una de las sopranos más importantes del momento, capaz de dotar al personaje de la profundidad emocional necesaria para no "mentir en escena". Junto a ella, destaca el regreso del barítono Nicholas Brownlee como Jochanaan y la participación de John Daszak y Michaela Schuster como Herodes y Herodías, respectivamente.

Argumento: del deseo a la necrofilia

Basada en la obra de Oscar Wilde, Salome parte de un episodio bíblico para construir un relato de intensidad perturbadora. La ópera comienza con la obsesión de Salomé por Jochanaan (Juan el Bautista), quien representa la pureza ascética frente al deseo transgresor de la princesa. Tras ser rechazada por el profeta, Salomé accede a bailar para su padrastro, el neurótico y supersticioso Herodes, a cambio de que este le conceda cualquier deseo.

El clímax llega cuando la joven reclama la cabeza de Jochanaan en una bandeja de plata. Tras la ejecución, se produce una de las escenas más polémicas de la historia de la ópera: Salomé se entrega a una exaltación amorosa ante la cabeza cortada del profeta, culminando en un beso necrofílico que mezcla el horror con la belleza musical más extrema. Es este "Liebestod sangriento" lo que lleva a Herodes, horrorizado por las consecuencias de su propio deseo incestuoso, a ordenar la ejecución de la princesa.

Trascendencia: el nacimiento de la modernidad

Más de un siglo después de su estreno, Salome sigue siendo el símbolo del paso violento del romanticismo a la modernidad del siglo XX. Richard Strauss llevó al límite el lenguaje tonal con disonancias y contrastes tímbricos, convirtiendo a la orquesta en una fuerza psicológica que conmociona al espectador. La obra, que fue escrita originalmente por Wilde en francés para evitar la censura británica, mantiene en la versión de Strauss un nihilismo cercano a Nietzsche, envuelto en un preciosismo decadentista.

Como bien ha señalado Tamara Heimbrock, la maravilla de esta ópera es que "los momentos más horrorosos son los más bellos musicalmente". La producción que llega ahora a Valencia busca celebrar la humanidad del personaje por encima de sus actos, invitando al espectador a preguntarse por qué, a pesar del horror, la belleza de la música nos cautiva.

Funciones y entradas

Salome se representará en la Sala Principal de Les Arts los días 25 y 29 de abril, y 3, 6 y 9 de mayo. Las entradas ya están disponibles a través de los canales habituales del teatro. Con un reparto de 17 cantantes y una de las puestas en escena más visuales y simbólicas de la actualidad, Valencia se prepara para redescubrir a la mujer que hay detrás del mito de la cabeza de plata.

Suscríbete para seguir leyendo