Sol Picó, bailarina y coreógrafa: "En la calle, la danza se vive en estado puro y es un desafío captar la atención del público"

El trabajo de Sol Picó (Alcoi, 1967) no es vacío. Nace de inquietudes, emociones y preocupaciones del mundo que le rodea. La artista reconoce que le perturban ciertas causas sociales, que son un motor para seguir creando. Presenta este domingo en las calles de la Morería de Sagunt el espectáculo 'Carrer 024' donde la transgresión -marca de la casa- se vive desde dentro, mezclando a los bailarines con el público, que debe moverse de un lado a otro para esquivar las máquinas que sostienen el gran espectáculo que trae al festival.

¿Qué va a encontrar el público en 'Carrer 024' este domingo?

Puede encontrar un gran espectáculo. Está pensado para 1.000 o 2.000 personas, para que puedan disfrutarlo, porque es móvil y se mueve entre el público, que tiene que evitar las estructuras, moviéndose entre ellas. El espectáculo se mueve y el público también. Creo que te puedes llevar una buena reflexión sobre la soledad y, además, es un divertimento porque acaba con un gran momento de esperanza y de compartirlo todos juntos.

Precisamente, el espectáculo obliga al público a interactuar y desplazarse. ¿Qué ofrece la calle que no encuentra en un escenario convencional?

Esto es todo una disertación sobre el tema. Me dedico desde hace muchos años a las dos cosas, prioritariamente quizás el teatro de sala, pero durante los 32 años de carrera de la compañía he hecho muchos espectáculos de calle, porque te ofrece la danza en estado puro. Tienes que luchar realmente por captar la atención del espectador, porque en la calle hay ruidos, perros, coches y una serie de estímulos que no hay en un teatro. Tú te sientas en un teatro, pones el teatro oscuro y que me miren todos, y la luz allí donde yo quiero, pero aquí no. Entonces, me parece que es todo un reto el trabajar en la calle y que el público pueda disfrutar igualmente de un espectáculo de danza. También nos ayuda de alguna manera -y eso ha sido mi prioridad siempre- que generamos más público de sala, porque alguien que nunca había visto nada así se acerca en la calle, pero en la sala no se atrevería a entrar. A veces parece que la danza da miedo, pero si lo ves en la calle, se ganan acólitos.

Supongo que en la calle también pueden tomar el pulso del público de forma más directa.

Los ves allí muy cerquita tuyo. En un teatro también generas una energía muy interesante, pero en la calle normalmente está todo más cerca, incluso les puedes tocar e interactuar con ellos, lo que genera una energía diferente.

En 'Carrer 024' recupera elementos icónicos de otros montajes de su trayectoria. ¿Qué le impulsó a volver a esas ideas?

Al cumplir 30 años de compañía decidimos tirarnos a la piscina, porque en estos tiempos es muy complicado generar grandes espectáculos de gran formato porque ya los festivales no los asumen. Pero nos embarcamos en el proyecto porque somos unas valientes, nos arremangamos y la idea era hacernos un autohomenaje de estos treinta años reciclando algunos grandes elementos de estos espectáculos, tanto de calle como de interior. Por ejemplo, la escalera de avión es una escalera de 'La Dona Manca o Barbi Superstar' del 2003; las botas de esquí son de uno de los primeros espectáculos de calle que hacía, del D.V.A (Dudoso Valor Artístico); o la gran pared es de La Prima de Chita. Son pequeños elementos que hemos reciclado y adaptado a esta nueva historia.

La puesta en escena resulta impactante y transgresora, con bailarines volando y música electrónica. ¿Por qué apostó por este lenguaje visual y sonoro?

La transgresión la llevamos haciendo muchos años, pero precisamente, la idea era volver a mostrar este tipo de trabajos porque hay mucha gente joven -toda una generación- que nunca ha visto esto. Mi compañera de producción, que es más joven, alucina con estos trabajos. A veces estamos muy ocupados en generar historias nuevas, elementos nuevos, formatos nuevos -que por supuesto también, yo estoy muy dentro-, pero recuperar antiguas estructuras y antiguas formas de hacer creo que es muy interesante porque hay otras generaciones que no lo han visto. De repente ha sido algo interesante que las bailarinas que están en este espectáculo no lo han hecho ni visto nunca; es un tipo de trabajo absolutamente nuevo para ellas.

¿Por qué le interesaba explorar la soledad?

Porque precisamente, en una sociedad aparentemente ultraconectada y avanzada, si miras a tu alrededor te das cuenta de la cantidad de soledad no deseada que existe. Desde la adolescencia hasta gente mayor viven situaciones de soledad extrema.

Y en ese sentido, el título hace referencia al número de atención de conductas suicidas, el 024. ¿Cómo se traslada a la danza?

Hay todo un trabajo detrás, hablando con personas afectadas, y nos dio para reflexionar y encontrar pequeños 'frames' de estos momentos de soledad llevados al extremo. Como te decía al principio, a pesar de ser un tema tan doloroso, termina habiendo un gran momento de esperanza, porque hay un baile final brutal donde se vuelve a la comunidad, que debe ser importante, y tenemos que volver a ella.

¿Qué le movió a adentrarse en este tema?

Habitualmente todos los trabajos que realizo se basan en emociones, lo que me inquieta del mundo o de la vida social. Me parece interesante reflexionar sobre ellas. Obviamente, ves casos a tu alrededor, seguro que conoces a gente mayor, viudas, que se han quedado solas o que los hijos se han marchado y continúan viviendo en sus casas porque es lo que quieren, pero hay una soledad tremenda sobre ellas. Amigas con hijos adolescentes y perdidos que están viviendo esta soledad y pasándolo mal. Cuando trabajo sobre la migración, la vejez o la soledad, son temas que me preocupan y me provocan emociones. El arte puede ser entretenimiento, pero también una manera interesante de reflexionar sobre la sociedad, lo que nos preocupa y perturba.

Ha abordado diferentes causas sociales, desde el feminismo hasta la migración. ¿Hacia dónde se dirige ahora su mirada?

Acabo de estrenar otro espectáculo de gran formato, pero de sala, 'La Cordero y su ejército', que estaremos en València en noviembre. Es un espectáculo que ha sido muy importante porque ha formado parte de una trilogía y porque habla sobre un momento vital muy concreto, muy personal. Estoy digiriendo todavía esta historia, aunque tengo alguna idea por ahí.

Y en 'El cordero y su ejército', aborda el peso de la edad.

Habla sobre el edadismo, sobre qué pasa cuando un bailarín se hace mayor, pero todavía siguen sobre el escenario todas las dudas, todos los momentos inquietantes que pasas por no saber qué hacer tras una vida dedicada a algo. No solo en mi profesión, en cualquier otra, y de qué manera lo transformas y lo adaptas. Son momentos que a mí me están resultando difíciles, pero al mismo tiempo necesito hacer una catarsis y realmente este espectáculo es una catarsis absoluta.

Su compañía cumple 30 años. ¿Qué ha cambiado en las artes escénicas desde que comenzó?

De momento mis ganas y mi ilusión todavía no han cambiado, que para mí eso es fundamental porque si no, no estaría aquí hablando contigo. Obviamente la sociedad ha ido transformándose. En algunas cosas igual no ha cambiado tanto, porque los temas que trabajo son temas universales que se repiten una y otra vez. Ojalá no tuviera que hacer ningún espectáculo donde me perturbe tanto el mundo de la migración, como el espectáculo 'Halab', que lo hemos estado haciendo por el mundo entero porque es algo que no para de ocurrir; no hay manera de que nuestras fronteras se flexibilicen o se hagan otras políticas. Luego, obviamente, las generaciones ven las cosas de otra manera, les interesan otras cosas. Yo diría, con todo el respeto, que hay un mundo un poco más superficial, un poco más banal, donde las cosas pasan tan rápido que no nos atrevemos a profundizar en lo que realmente importa. De momento yo sigo teniendo ganas de darle un poquito de bola a las cosas. Yo siempre digo que lo pongo encima del linóleo y a partir de ahí cada uno ya toma sus propias decisiones y opiniones, pero yo dejo la reflexión. Ha cambiado en algunas cosas, pero en otras nos mantenemos en la prehistoria todavía.

Después de más de tres décadas creando, ¿le resulta más difícil innovar?

Por supuesto. Cuando yo empecé, no había tanta creación, así que empiezas a hacer algo que es muy tuyo, muy de uno mismo. Es importante mantenerte ahí y para mí ha sido fundamental seguir entendiéndome y poder hacer cosas que la gente quiera venir a verlas. Es básico. Luego, en tu propia esencia, vas buscando ir con el mundo y la evolución, y eso es un reto también. No es difícil, pero es un desafío no repetirse, evolucionar, innovar y buscar nuevas formas. Lo más importante es conservar lo que te ha dado la identidad en este formato de coreógrafo creador. La dificultad añadida es ser crear en este país, pero sigo manteniendo las ganas, la ilusión y la fuerza de seguir creando.

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