Existe un canon evidente del superhéroe que se deriva del fundacional primer número de Action Comics. Puede que Jerry Siegel y Joe Shuster no fueran conscientes en aquel junio de 1938 de lo que lograron al crear a Superman, como bien contaba Michael Chabon, pero lo cierto es que consiguieron fusionar las mitologías clásicas con las referencias religiosas judías gracias al catalizador de la nueva cultura pulp y una reverencia a la ciencia como motor de cambio que impulsaba el nuevo siglo XX. Los ansiados superpoderes dejaban de ser monopolio de la divinidad y pasaban a ser patrimonio accesible de la clase trabajadora vía un «American Way of Life» con concesiones alienígenas, con ese Clark Kent que ayudaba en sus inicios a los obreros a levantar vigas y tenía en la naturaleza de los insectos el origen científico de sus poderes. El superhéroe era un personaje que optaba a un estatus divino sin pasar por el camino del héroe campbelliano pero, a diferencia de los caprichosos mitos clásicos, su mensaje moral era evidente: ayudar al débil, en una constante que años más tarde se transformaría en el más burgués «todo poder conlleva una gran responsabilidad».
Durante los casi cien años de existencia de los superhéroes, el canon ha ido completándose desde las periferias: el traje de licra marcando musculatura, el relato del origen con aspiración de verosimilitud científica, el archienemigo como contraste o el científico como personalidad secreta se han consolidado por el éxito del género, pero también por una industrialización que diluía la autoría en busca de la producción estandarizada y masiva, coartando cualquier libertad y alérgica muchas veces a los cambios que la sociedad demandaba. Sin embargo, las aspiraciones de confortable homogeneidad de la industria mostraron pronto grietas: los superhéroes comenzaron a mirar a la sociedad y fueron exigiendo una realidad más palpable, la autoría femenina rompió con la figura sexualizada de la superheroína como comparsa para darle entidad y personalidad y el género se expandió más allá del duopolio Marvel/DC hasta saltar con éxito al audiovisual. Cambios que han logrado que el género se libere de todas sus ligaduras con el pasado y se presente como un andamiaje para contar cualquier historia e incluso para la experimentación más atrevida. Grip, de Lale Westvind (Apa Apa Cómics) es un excelente ejemplo de cómo los prejuicios ante el género se derrumban con talento, construyendo la historia de una joven que descubre que tiene el superpoder de transformar con sus manos. Sin palabras, la autora lanza a sus personajes a una viaje dinámico e imparable, desarrollado con una potencia visual que contagia al lector, que hace que las páginas vibren y se muevan, cargadas de poderosas metáforas visuales: manos hundiéndose en la tierra que transmutan la realidad, fuerza incontenible que no se pierde en peleas sino en la búsqueda del cambio. Mujeres que se empoderan desde la identidad, convirtiendo la amistad y la sororidad en energía de un poder primordial de una naturaleza que necesita de la mutación continua para evolucionar. Un relato que se amplifica con el trazo de Westvind, potente y vigoroso, que sabe componer la viñeta y la página para transmitir esa sensación de movimiento infinito usando con habilidad las líneas cinéticas y los colores primarios. Cyan, magenta y amarillo crean contrastes radicales que impactan visualmente, pero generando una sensación luminosa y atractiva donde el poder es una parte más de la realidad.
Grip teje una relación entre mujer, naturaleza y superpoder que descubre una realidad primordial que resulta lógica para el canon establecido en la primera página de Superman que dibujaron Siegel y Shuster: fuerza y ciencia cómo germen de una mitología de la clase obrera que hoy se escribe en femenino.
